Abaporu, de Tarsila do Amaral

Abaporu, 1928 - Tarsila do Amaral

Abaporu é uma pintura, óleo sobre tela, com oitenta e cinco centímetros de altura por setenta  e três centímetros de largura. Está localizada no Museu de Arte Latino-americana de Buenos Aires (MALBA), na Argentina. É datada de 1928 e considerada símbolo do Movimento Modernista Brasileiro. Tarsila do Amaral, retratava a brasilidade moderna e colorida. Abaporu  é sua obra mais representativa e uma das brasileiras mais valiosas no mercado de arte internacional. Alguns críticos sugerem que Abaporu, seria uma reescritura de O Pensador, de Auguste Rodin. O quadro apresenta Uma figura solitária, monstruosa, pés imensos, sentada numa planície verde, o braço dobrado num joelho, a mão sustentando a peso-pena da cabecinha-minúscula. Em frente, um cactus explodindo em uma enorme flor. Ao fundo, o céu azul, e o sol, um círculo amarelo, entre a figura e o cactus, de cor esverdeada. Essas cores, parecem remeter, intencionalmente, as cores da bandeira brasileira.  Tarsila valorizou o trabalho braçal ( corpo grande ) e desvalorizou o trabalho mental (cabeça pequena) na obra,pois era o trabalho braçal que tinha maior impacto naquela época.   Essa representação, sugere o homem plantado na terra. É a figura de pés grandes, plantados no chão brasileiro, sugerindo a idéia da terra,  do homem nativo, selvagem, antropófago, como o próprio nome Abaporu indica, em sua tradução, do tupi-guarani, homem que come carne  humana.

Áudio-descrição da pintura "Barco com Bandeirinhas e Pássaros" de Alfredo Volpi

Em homenagem ao período de Festas Juninas, e à forte  tradição, muito comemorada no  nordeste brasileiro, compartilho a áudio-descrição desta pintura, do artista Alfredo Volpi,  tão emblemático  pelas composições  de  "bandeirinhas", em suas obras.

Escolhi esta tela, em especial, pela sua representação lúdica, que transmite a sensação de alegria e leveza,  e claro, porque as bandeirinhas não poderiam faltar, afinal, é Festa de  São João!

Notas sobre a obra

A imagem áudio-descrita é uma fotografia colorida com dimensões de aproximadamente 11 por 15 centímetros em formato paisagem. A obra "Barco com Bandeirinhas e Pássaros", do  artista italo-brasileiro Alfredo Volpi, é uma têmpera sobre tela, com 54,2 centímetros de altura por 73 centímetros de largura. É considerada do movimento Modernista, datada de 1955 e pode ser apreciada no  Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo.

Embora tenha nascido na Itália , Alfredo Volpi imigrou ao Brasil com 2 anos de idade e sempre dizia que seu coração era brasileiro. O pintor adorava misturar cores em telas com essência geométrica.  Na obra "Barco com Bandeirinhas e Pássaros", percebe-se bem estas paixões de Volpi. A pintura é vívida, alegre, rítmica e leve; com cores misturadas. As bandeirinhas, claro, estão presentes. O pintor brasileiro também usa os pássaros para dar uma impressão de movimento ao barco.

A ideia de pintar bandeirinhas veio de uma vez em que Volpi estava com sua mulher passeando em um sítio no interior de São Paulo. Era época de Festa Junina e o espírito observador do artista o fez incorporar as bandeirinhas em seu trabalho. O próprio  Volpi anuncia esta fase da seguinte maneira:

"A gente se desliga e então  só passa a existir o problema da linha, forma e cor. Minhas bandeirinhas não são bandeirinhas; são só o problema das bandeirinhas".

"Barco com Bandeirinhas e Pássaros", de Alfredo Volpi - 1955

Áudio-descrição

A imagem apresenta um barco, em perspectiva lateral, sobre fundo  azulado. O casco do barco, em tom esverdeado, tem formato oval, partido ao meio. O barco está posicionado de forma centralizada na tela, de modo que seu fundo está bem rente à base inferior da moldura, e suas extremidades bem próximas às laterais.   De dentro do barco saem dois mastros verticais, que estão localizados, cada um,  próximos as estremidades e tem nas  suas  pontas, uma bandeira, em formato de bandeirinha tipicamente  junina, porém maior que o  tamanho comumente utilizado, hasteada em posição horizontal. Das extremidades do barco saem, em diagonal e em   direção à metade  dos mastros, um cordão com várias bandeirinhas coloridas,  em tons de verde e vermelho-alaranjado. Ligando os dois mastros está um cordão horizontal com bandeirinhas, que juntamente com os cordões diagonais, configuram o formato de um trapézio  ou tenda. Existem ainda na tela, representações de quatro pássaros de cor escura  voando  sobre o barco.   Próximo ao mastro da esquerda estão posicionados, um ao alto  e à esquerda, e outro mais abaixo e à direita.  Um dos pássaros está posicionado bem no centro do quadro, em região bem próxima à borda  do  casco. O quarto pássaro localiza-se um pouco mais acima deste e ao lado  do  mastro da direita.

CEREJEIRA, T. L. T. Áudio-descrição da Pintura "Barco com Bandeirinhas e Pássaros" de Alfredo Volpi. 

Vestido Mondrian, de Yves Saint Laurent

Quadro "Composição com Vermelho, Amarelo e Azul", de Piet Mondrian - 1921 e Vestido Mondrian, de Yves Saint Laurent - 1965

Descrição da imagem:

À esquerda, a imagem do quadro de Mondrian (já descrito no post anterior). À direita, a criação do Vestido de Saint Laurent, inspirada na referida obra, do artista holandês.

O vestido é feito em jersey (tecido antes usado para confecção de camisas pólo, e que ganhou fama nos anos 20, pelas mãos da estilista Coco Chanel, ao criar uma coleção inteira, com este material). A silhueta do vestido é a linha tubo, próxima ao corpo, sem mangas, decote careca e barra da saia na altura do joelho. A estampa, com a pintura da tela de Mondrian, foi aplicada na parte frontal do vestido, ampliada e concentrando-se na região do maior retângulo vermelho e localizada  entre o busto e o quadril.

O Vestido Mondrian é um marco no mundo da moda.  Esse vestido tubinho inspirado em um dos trabalhos do pintor holandês Piet Mondrian foi criado em 1965 por Yves Saint Laurent. Feito em Jersey, sua estampa de cores primárias foi inspirado no quadro "Composição com Vermelho, Amarelo e Azul", de Mondrian.

O sucesso foi absoluto e se tornou um dos vestidos mais famosos da história da moda e do mundo. A influência de linhas verticais e horizontais, as cores primárias de Mondrian se expandiu por todas as artes, foi muito importante na decoração, inspirou também todo tipo de suvenir. É importante lembrar que esse vestido marcou uma nova era... Onde as artes plásticas e seus pintores famosos passam a inspirar a moda e a moda passa a ser vista também com uma forma de arte.

O vestido, da coleção de 1965,  se tornou um ícone da Alta Costura dos anos 60 estreitando os laços entre a moda e a arte  moderna.

O vestido é, vez ou outra, reproduzido pela grife e levado pelo movimento que começa a se disseminar hoje colocando Mondrian de novo em alta. As linhas simplificadas, limpas e baseadas em geometrismos, focadas na funcionalidade e na harmonia dos planos, ao mesmo tempo, estão de volta à moda, seja nas roupas, na decoração ou no design de uma forma geral.

Composição com Vermelho, Amarelo e Azul, de Piet Mondrian

"Composição com Vermelho, Amarelo e Azul", de Piet Mondrian - 1921

Descrição da imagem:

Composição com Vermelho, Amarelo e Azul, é um  óleo sobre tela, que mede 59,5 x 59,5 centímetros e pertence ao Haags  Gemeentemuseum, que mantém o Museu Escher, localizado em Haia, na Holanda.

 Atela, um quadrado perfeito, exibe um cruzamento de linhas, em ângulos retos, na vertical e horizontal, que formam compartimentos assimétricos.

Dos oito compartimentos formados pelas linhas negras, cinco são variações de luz. Nos dois extremos da variação do quadro, um retângulo (em altura) vermelho e outro (em largura) azul. Vermelho (quente), azul (frio) são os registros das variações (brancos quentes e frios) que culminam no retângulo (em altura) amarelo, a zona mais luminosa do quadro. Sem as linhas pretas as cores se tocariam, influenciando umas nas outras. Não deve existir uma relação de força e sim relações métricas proporcionais.

Pieter Cornelis Mondrian (1872-1944), artista plástico, holandês, fundador do "Neoplasticismo", movimento que se organiza em torno da necessidade de clareza, certeza e ordem.  Tem como propósito central encontrar uma nova forma de expressão plástica, liberta de sugestões representativas e composta a partir de elementos mínimos.

O estilo artístico de Mondrian se caracteriza pelo trabalho com obras abstratas geométricas, principalmente trabalhando com formatos retangulares nas cores primárias: vermelho, azul, branco, preto e amarelo, que Mondrian considerava como as cores elementares do Universo.

A aplicação de suas teorias conduziu Mondrian a realizar obras como Composição em vermelho, amarelo e azul (1921), na qual a pintura, composta unicamente por algumas linhas e blocos de cores bem equilibrados, cria um efeito monumental apesar da escassez de meios, propositalmente limitados, que emprega.

Essa fase de sua obra, a mais popularmente difundida, se caracteriza por pinturas cujas estruturas são definidas por linhas pretas ortogonais (o uso de diagonais induziria a percepção a ver profundidade na tela e motivou o rompimento de sua amizade com Theo Van Doesburg). Essas linhas definem espaços que se relacionam de diferentes modos com os limites da pintura, e que podem ou não serem preenchidos com uma cor primária: amarelo, azul e vermelho, decisão que mostra sua estreita relação com as teorias estéticas da Bauhaus e da Escola de Ulm, e que definem pesos visuais diferentes para esses espaços. Os blocos de cor, pintados de modo fosco e distribuídos assimetricamente, reforçam a idéia de um movimento

superficial que se estende perpetuamente, indicando que o pintor investia na percepção de sua obra como uma abstração materialista e sem profundidade, criticando a pintura histórica enquanto produzia uma abstração racionalista, espiritualista e sobretudo concreta do mundo.

Sua obra, muitas vezes copiada, continua a inspirar a arte, o design, a moda e a publicidade que a apropriam como design, sem necessariamente levar em conta sua fundamental e filosófica recusa à imagem.

O Grito, de Edvard Munch

"O Grito", de Edvard Munch - 1893

Descrição da Imagem:  É uma pintura, tipo óleo sobre tela, têmpera e pastel sobre cartão. Mede 83.5 x 66 centímetros.Vemos ao fundo um céu de cores quentes, como se fossem lavas de um vulcão, em oposição ao rio em azul, (cor fria), que sobe acima do  horizonte, assemelhando-se a uma  língua de vidro. Vemos que a figura humana também está em cores  frias, azul, como a cor da angústia e da dor, sem cabelo para demonstrar um estado de saúde precário, uma aparência andrógina, que denota a possibilidade de poder ser qualquer pessoa. Os elementos descritos estão tortos, como se reproduzindo o grito dado pela figura e se entortando com o berro, algo que reproduza as ondas sonoras. Quase tudo está torto, menos a ponte e as duas figuras humanas (seus amigos) que estão no canto esquerdo. Tudo que se abalou com o grito e com a cena presenciada está torto, o que não se modificou (supostamente seus amigos e a ponte, que é de concreto e não é "natural" como os outros elementos, continua reto.

          O Grito (no original Skrik ) é uma pintura do norueguesa Edvard Munch, datada de 1893 e está localizada na Galeria nacional de Oslo, na Noruega. A obra representa uma figura andrógena num momento de profunda angústia e desespero existencial. O pano de fundo é a doca de Oslofjord (em Oslo ) ao pôr-do-Sol. O Grito é considerado como uma das obras mais importantes do movimento expressionista e adquiriu um estatuto de ícone cultural, a par da Mona Lisa de Leonardo da Vinci. Esta imagem talvez seja a mais importante do Expressionismo, no mínimo a mais conhecida de Munch. A obra é inspirada na própria vida pessoal do pintor, suas tristezas, angústias profundas, sua história de vida e desencontros. Há uma citação, de um suposto diário, que ele escrevia, que fundamentaria como se deu, a possível inspiração para a obra: 

                    

"Passeava  com dois amigos ao pôr-do-sol. O céu ficou de súbito vermelho-sangue. Parei, exausto, e inclinei-me sobre a vedação, havia sangue e línguas de fogo sobre o azul escuro do fjord e sobre a cidade. Os meus amigos continuaram, mas eu fiquei ali a tremer de ansiedade e senti o grito infinito da Natureza".

              O quadro foi exposto pela primeira vez em 1903, como parte de um conjunto de seis peças, intitulado Amor. A ideia de Munch era representar as várias fases de um caso amoroso, desde o encantamento inicial a uma rotura traumática. O Grito representava a última etapa, envolta em sensações de angústia. A recepção crítica foi duvidosa e o conjunto Amor foi classificado como arte demente (mais tarde, o regime nazi classificou Munch como artista degenerado e retirou toda a sua obra em exposição na Alemanha). Um crítico considerou o conjunto, e em particular O Grito, tão perturbador que aconselhou mulheres grávidas a evitar a exposição. A reação do público, no entanto, foi a oposta e o quadro tornou-se em motivo de sensação. O nome O Grito surge pela primeira vez nas críticas e reportagens da época.

          A dor do grito está presente não só na personagem, mas também no fundo, o que destaca que a vida para quem sofre não é como as outras pessoas a enxergam, é dolorosa também, a paisagem fica dolorosa e talvez por essa característica do quadro é que nos identificamos tanto com ele e podemos sentir a dor e o grito dado pelo personagem. Nos introjetamos no quadro e passamos a ver o mundo torto, disforme e isso nos afeta diretamente e participamos quase interativamente da obra.

Curiosidades:

- A possível fonte de inspiração para esta figura humana estilizada pode ter sido uma  múmia peruana que Munch viu na exposição universal de Paris em 1887;

- Depois da Revolução Cultural Chinesa , Munch foi o primeiro artista ocidental cujas obras foram exibidas na Galeria Nacional de Pequim ;

- Alguns historiadores de arte consideram que o tom avermelhado de fundo no quadro O Grito, reflete o efeito na atmosfera ao entardecer, depois da erupção do vulcão da Indonésia Cracatoa em 1883 ;

- O quadro O Grito foi roubado diversas vezes. Em 31 de Agosto de 2006 a polícia norueguesa anunciou ter reencontrado em condições normais.